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La preproducción 


Cada gramo de esfuerzo dedicado a la preparación antes del rodaje es más valioso que toneladas de parches aplicados durante la producción. Cuanto más concienzudamente hayamos pensado en todo lo que necesitamos para hacer que las tomas, y las escenas y el proyecto funcionen en cada etapa o localización del rodaje, menos sorpresas podrán arruinarnos la jornada. Aún más importante es pensar en todo lo que podría ir mal por adelantado.
Compartir un lenguaje visual con el director
La mayoría de los directores de fotografía comienzan un proyecto hablando con el director sobre sus películas, fotografías, pinturas, cómics, videojuegos o cualquier otro tipo de referencias visuales favoritas. Repasar libros o películas con el director ayuda a iniciar un debate productivo sobre filias y fobias, que ayuda sobremanera a crear un lenguaje visual compartido y de paso crea una conexión personal entre ambos.
La célebre visión satírica de “La última Cena” de Leonardo Da Vinci, tal y como se muestra en “Viridiana” (Luis Buñuel, 1961) con fotografía de José Fernández Aguayo.

La célebre visión satírica de “La última Cena” de Leonardo Da Vinci, tal y como se muestra en “Viridiana” (Luis Buñuel, 1961) con fotografía de José Fernández Aguayo.

Por fortuna, este no es un trabajo de nueve a cinco detrás de una mesa en el que el equipo sólo se reúne –al lado de una máquina de café– con el propósito de conspirar de boquilla contra el superior incompetente de turno para volver luego a sus pequeñas rencillas y mezquindades hasta el final de la jornada. Es imposible sacar adelante un proyecto cinematográfico sin que todo el equipo humano involucrado arrime el hombro en una sola dirección. Pese a que pueda haber tensiones y roces ocasionales ante problemas específicos, a cada miembro del rodaje le interesa sacarlo adelante de la mejor manera posible, y eso se transmite en la dinámica de trabajo. No queda demasiado tiempo libre para perderlo en cuitas absurdas.
La influencia visual de Edward Hopper en la historia del cine es gigantesca y no se reduce a la industria estadounidense. En la imagen, a la izquierda su obra “Nighthawks” (1942) y a la derecha dos fotogramas de “Forajidos” (Robert Siodmak, 1946) con fotografía de Woody Bredell. El homenaje alcanza la literalidad de la mano de Pascal Rabaud en “El final de la violencia” (Wim Wenders, 1997)

La influencia visual de Edward Hopper en la historia del cine es gigantesca y no se reduce a la industria estadounidense. En la imagen, a la izquierda su obra “Nighthawks” (1942) y a la derecha dos fotogramas de “Forajidos” (Robert Siodmak, 1946) con fotografía de Woody Bredell. El homenaje alcanza la literalidad de la mano de Pascal Rabaud en “El final de la violencia” (Wim Wenders, 1997)

 
Rizando el rizo. Entre las múltiples referencias de H.R. Giger para la creación del xenomorfo original de “Alien: el octavo pasajero” (Ridley Scott, 1979) se encuentra este cuadro de Francis Bacon que, a su vez, es un estudio en homenaje al mítico “Retrato de Inocencio X” de Diego Velázquez, sin duda una de sus obras cumbre y quizá la más influyente en la historia del retrato psicológico.

Rizando el rizo. Entre las múltiples referencias de H.R. Giger para la creación del xenomorfo original de “Alien: el octavo pasajero” (Ridley Scott, 1979) se encuentra este cuadro de Francis Bacon que, a su vez, es un estudio en homenaje al mítico “Retrato de Inocencio X” de Diego Velázquez, sin duda una de sus obras cumbre y quizá la más influyente en la historia del retrato psicológico.
 
El aspecto creativo del proceso puede evolucionar de forma colaborativa, compartiendo relajadamente el visionado de películas referenciales con el director y comparando notas. Algunos directores de fotografía optan por una aproximación alternativa. Por ejemplo, Philippe Ross, AFC, afirma que la música es un camino mucho más certero y corto hacia el corazón y la mente de cualquier persona, directores incluidos. Probablemente no le falte razón.
Philippe Ros, AFC, durante la 24 edición del Festival Camerimage en 2016

Philippe Ros, AFC, durante la 24 edición del Festival Camerimage en 2016

Hemos dicho en innumerables ocasiones que el equipo de cámara tiene la responsabilidad de ejercer de intermediario entre el director y el departamento de producción para facilitar el ahorro de costes, siempre que no vaya en detrimento de la voluntad creativa del director y de una calidad mínima irrenunciable. Sin producción no hay proyecto que valga y ese hecho no debemos olvidarlo jamás. Existe, no obstante, un único punto de fricción que, al menos en España, no se ha resuelto todavía a gusto de todos. Pretender que producción asuma de una vez por todas que la preparación –por medio del procedimiento antes descrito– ahorra miles de problemas en rodaje y postproducción y que pagar al director de fotografía para que pueda pasar más tiempo con el director en preproducción es ahorrar (mucho) dinero suele ser misión imposible en la mayoría de los casos. Buena suerte intentándolo. Pero, que quede claro, no dejéis nunca de pedirlo.
Desglose del guion
A la hora de enfrentarse al guion, una práctica bastante difundida es la de imprimirlo en formato apaisado, dedicando sólo la mitad de cada página al texto –con su tipografía original–. De ese modo, en la otra mitad queda espacio suficiente para añadir notas, dibujos, fotos de referencia y una cantidad ingente de circulitos y flechitas -que a veces solo entiende el que las ha dibujado. Muchos guionistas –que no todos– entregan sus trabajos en tipo Courier con tamaño de letra doce.
Celtx, uno de las herramientas de software gratuito más prácticas para realizar desgloses de guión

Celtx, uno de las herramientas de software gratuito más prácticas para realizar desgloses de guion

Es una convención procedente de la industria holywoodiense clásica, que asumía que cada página escrita –según esta pauta– equivale, más o menos, a un minuto de película. Como cualquier otra estandarización, su parecido con la realidad depende de la naturaleza de la secuencia –además, el idioma español suele requerir un número superior de sílabas que el inglés para contar lo mismo–, pero es una tradición que se mantiene, porque es preferible a tener millones de tipos y tamaños diferentes. El guionista es libre de escoger cualquier otro estándar –bueno, todo lo libre que puede ser un guionista en nuestra industria, que es bien poco por desgracia–.
Cuando la relación entre un director y su director de fotografía cuenta con muchas películas a sus espaldas todo el proceso de desglose de guión es más eficiente y veloz. En la imagen, Ingmar Bergman y su fiel colaborador Sven Nykvist, cuya aproximación naturalista y -aparentemente- simple a la dirección de fotografía marcó un antes y un después en la historia del cine

Cuando la relación entre un director y su director de fotografía cuenta con muchas películas a sus espaldas todo el proceso de desglose de guion es más eficiente y veloz. En la imagen, Ingmar Bergman y su fiel colaborador Sven Nykvist, cuya aproximación naturalista y –aparentemente– simple a la dirección de fotografía marcó un antes y un después en la historia del cine

Semejante acumulación de garabatos tiene una justificación excelente. Es una manera idónea de unificar todos nuestros pensamientos sobre el papel, rápidamente, en un sólo lugar y en relación directa con el texto del guion que les acompaña. No es infrecuente necesitar una docena –o más– de lecturas para buscar detalles que se nos hayan pasado por alto. Las notas deben incorporar información como, por ejemplo, si resultaría útil utilizar una grúa en una toma, dónde serían necesarias ópticas especiales –como un zoom de gran rango o un prisma de ángulo bajo– dónde es necesario añadir sedas o muselinas en los techos, cuándo hará falta una máquina de humo, cuál podría ser el aspecto de cada escena –incluyendo todos los detalles que se puedan deducir del texto escrito–, etc.
Comparación entre el texto del guión desglosado y la imagen final

Comparación entre el texto del guion desglosado y la imagen final

A continuación, lo más usual es repasar esas notas con el director y volver a repasarlas a solas tras apuntar sus modificaciones. A partir de la mezcolanza de toda esta información, podemos organizar y recopilar las notas de forma presentable y elaborar un presupuesto tentativo del material que será imprescindible para lograr lo que aparece en la lista. Una vez más, este último proceso requiere dos o tres revisiones más con el director y con el director de producción. Una vez que se ha afinado y que cuenta con la aprobación de todas las partes implicadas, entra en juego el primer ayudante de dirección, con quien se estudian paso a paso las notas para que las incorpore a su calendario técnico. Cuando están integradas por número de página y de escena, el calendario sirve como notificación y recordatorio de cuándo serán necesarios materiales especiales. Gracias a esta planificación, producción no tiene que incurrir en gastos absurdos, derivados de llevar material –durante la totalidad del rodaje– que sólo se utilizará en un par de ocasiones. La oficina de producción es consciente en todo momento y de forma oficial de qué material especial hace falta en cada escena. Cuando el calendario se modifica –es decir, siempre– las notas –enlazadas a las escenas individuales– cambian con el calendario de forma automática.
El tándem entre el director Alberto Rodríguez y el director de fotografía Álex Catalán, AEC ha dado lugar a excelentes resultados artísticos. La suya es una historia de una colaboración exitosa en la que la preproducción es siempre concienzuda.

El tándem entre el director Alberto Rodríguez y el director de fotografía Álex Catalán, AEC ha dado lugar a excelentes resultados artísticos. La suya es una historia de una colaboración exitosa en la que la preproducción es siempre concienzuda.

Existen múltiples aplicaciones para dispositivos móviles, portátiles y tabletas que realizan un trabajo similar al que acabamos de describir, con la ventaja de que –en ellas– los círculos y las flechas son reconocibles. Sin embargo, es difícil encontrar una interfaz tan cómoda y efectiva como el papel corriente y moliente en gran parte del proceso. Puede que parezca que todo este galimatías burocrático es un lastre que los equipos tienen que pagar para poder rodar. La realidad es que a lo largo de este proceso es donde un proyecto cinematográfico toma forma. Es la tarea más creativa con diferencia, y ninguna otra labor del director de fotografía supera a esta en importancia.

Fuente Albedomedia.com – Julio Gómez 

Luts 

Las tablas tridimensionales de búsqueda  LUT 3D se han incrustado en el proceso de postproducción y no parece que vayan a desaparecer tan pronto. Los LUTs que emulan los aspectos de películas clásicas analógicas continúan entrando en el mercado. Por supuesto, los plug-ins y las aplicaciones de emulación de películas independientes son abundantes y han estado bien presentes en la fotografía durante mucho tiempo, pero ahora también en el cine.

Cuestionemos unas dudas lógicas ¿cuál es el papel de los LUT en la postproducción y cómo encajan en la corrección de color y la clasificación de color?  ¿Son otra forma de paquete de emulación de película? ¿O son algo más?
Para ello, VisionColor publicó recientemente un tutorial titulado Emulación cinematográfica con LUTs – Creación de una película profesional y que vale la pena leer. El artículo está ampliamente ilustrado con capturas de pantalla que muestran el antes y después. 

El autor de VisionColor se refiere al Hollywood Color Pipeline para explicar el papel de los LUTs – y especialmente los propios ImpulZ y OSIRIS LUTs de VisionColor  y cómo los cineastas independientes pueden usar sus productos para replicar la forma en que Hollywood lo hace.  Hollywood mismo ha tenido el hábito de usar LUTs en su pipeline durante algunos años Recientes nominaciones a los Oscar como 12 Years a Slave, Anna Karenina, Argo y The Kings Speech utilizaron la emulación de películas 3D LUTs en el proceso de postproducción.

Si son lo suficientemente buenos para Hollywood ¿Acaso no lo son para los cineastas independientes?

El gurú de la publicidad David M. Ogilvy

David Mackenzie Ogilvy (1911, Inglaterra – 1999, Francia), es quizás el publicista más conocido en el mundo de la publicidad. Un entendido del marketing que se adelantó a su tiempo para ofrecernos pautas que hoy en día siguen siendo referentes del paradigma publicitario.


We sell or else

6 cosas por las que trabajar en equipo.

Hace unas semanas comenzábamos un nuevo proyecto para Unidad Editorial.
Como suele pasar, al principio todo son nervios y mucha curiosidad. Nuevos clientes, nuevas caras, nuevos espacios y probablemente nuevos retos.

Las primeras horas suelen ser clave, en ese tiempo se decide el clima de trabajo, la dinámica que vamos a seguir y se establecen los roles. De estos momentos dependerá en gran medida el resultado final. 

Pasado este momento te das cuenta de algo, generalmente descubres que la gente con la que estás trabajando, a la que hace unos minutos no conocías de nada, comparte algo contigo. Es una idea y una motivación por hacer algo nuevo. Aunque parezca muy ridículo, la sensación de crear en equipo es algo único y maravilloso.

Durante ese proceso aparece algo a lo que nosotros llamamos casualidad buscada. Nada sale como te esperas, normalmente hay un componente de sorpresa muy grande. Y casi siempre, si el trabajo hasta el rodaje se ha llevado bien, es bueno.

Los periodos de rodaje suelen ser duros y muy repetitivos. Es en estos momentos cuando aflora la bufonería que todos llevamos dentro. La que nos convierte en niños jugando en el patio del colegio. Nos ayuda a desahogar tensión y ofrece una nueva perspectiva. A partir de este momento la relación entre clientes desaparece. Solo en este momento se produce un completo feedback entre el equipo.

En los momentos de crisis cuando nos machacamos los unos a los otros en busca del mejor resultado, surgen los egos. Y es que no todo es paz y amor. Pero como se suele decir “Después de la tempestad viene la calma”. Esto además nos recuerda a otro refrán “los amores reñidos, son los más queridos” Que cada uno saque su propia conclusión.

Después de muchos años trabajando en esto nos damos cuenta de algo, que además es generalizado a toda la gente con la que lo compartimos. El componente más importante de nuestro trabajo está muy al margen de los carísimos equipos, las costosas producciones y las grandes marcas. Lo más importante para nuestro trabajo son las personas.

  
  

Cine & Gastronomía Centro Botín

La semana pasada se presentaba en el ciclo de cine y gastronomía organizado por el Centro Botín esta maravillosa pieza. Una receta tratada de una forma distinta a lo que estamos acostumbrados a ver por televisión.
De la mano del Chef Jesús Sánchez, nos metemos de lleno en su cocina para deleitarnos con un su técnica y amor por el producto, con el ambiente que le rodea y con su genialidad creando. Os invitamos a todos a disfrutar de este video que seguro que a más de uno le llevará corriendo a la cocina.
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Los pintores del cine

Artículo 

HIPERTEXTUAL8 de julio de 2015

Por José Antonio Luna  

Los mejores directores de fotografía del cine actual
Solo los mejores directores de fotografía logran una estética capaz de definir a un largometraje para que éste sea recordado para la posteridad. 

La primera vez que vi Kill Bill de Tarantino tenía unos 11 años, y aunque la película tampoco me enamoró, sin saber muy bien por qué tenía unas ganas inmensas de llegar a casa y colocar el póster de Uma Thurman con su traje amarillo en mi habitación. Por aquel entonces no lo sabía, pero aquello era culpa de la cuidada estética del filme, algo de lo que (entre otros) era responsable Robert Richardson. 

No hace falta ser muy aficionado al séptimo arte saber Vittorio Storaro, Néstor Almendros o Gordon Willis pueden ser considerados como algunos de los mejores directores de fotografía del cine. Todos ellos son elevados a la altura de maestros y sirven como modelos para muchas generaciones posteriores. 

Sin embargo, en el cine actual también existen algunos referentes que se encargan de dejar huella en cada largometraje que participan. Dependiendo del encargado de la película, las figuras implicadas en la estética serán diferentes, pero por lo general el director de fotografía suele ser el máximo responsable de ello. 

Hacer una recopilación de todos ellos es algo complicado, ya que cada cual será aficionado de unos profesionales concretos. Sin embargo, voy a tratar de aunar los que para mí son los mejores directores de fotografía. 

Larry Fong 
“Super 8” | J.J. Abrams 

La película 300, dirigida en 2007 por Zack Snyder, asombró a muchos por su particular estética. Las técnicas de fotografía de Larry Fong se unieron a las de los efectos especiales generados por ordenador, otorgando así una imagen única. 

Desde entonces, Larry Fong se ha embarcado en proyectos también relacionados con el cómic, como Watchmen, o en la hermosa Super 8 de J.J. Abrams. Asimismo, también será el responsable de Batman v Superman: Dawn of Justice, un motivo más para creer en la película. 

Hoyte Van Hoytema 
“Her” | Spike Jonze 

Al margen de si el argumento de Interstellar fue el más adecuado, desde mi punto de vista existe algo sobre lo que no debe existir ninguna duda: su atmósfera. De aquello que vemos y cómo lo hacemos se encargaba Hoyte Van Hoytema, quien bajo la dirección de Nolan era el responsable de grabar un gran número de tomas. 

Asimismo, Hoyte también fue el director de fotografía de Her, una película que visualmente es capaz de enamorar al espectador. Todo lo que se muestra en ella parece tener un significado, desde el tipo de plano usado hasta los colores de los entornos utilizados. 

Emmanuel Lubezki 
Créditos: Borealisk 

Finalmente, fue Birdman la película que alzaría a Lubezki como el ganador del Oscar a mejor director de fotografía. Un premio que, debido a la trayectoria del director, se encontraba más que justificado. 

Son muchos los que consideran a Emmanuel como uno de los mejores directores de fotografía, y lo cierto es que no faltan razones para ello. No solo debemos quedarnos con el falso plano secuencia de Birdman, también hay que destacar la labor de Lubezki en películas como el El árbol de la vida o Gravity 

Robert Richardson 
“Django Unchained” | Quentin Tarantino 

Como indiqué al principio del post, es quien provocó que sitiera el deseo de colocar un póster de Kill Bill en mi habitación. Robert Richardson es el director de fotografía de Tarantino por antonomasia, y por lo tanto también responsable de muchas de las virtudes mostradas en sus películas. 

Está claro que Tarantino adquiere aquí un papel muy importante, no es un director que se limite a ver cómo otros graban su película, pero Richardson es la persona en la que Quentin lleva delegando tales funciones desde la primera entrega de Kill Bill. Asimismo, también ha trabajado para otros directores como puede ser Martin Scorsese para la película Shutter Island. 

Newton Thomas Sigel 
Puede que Sospechosos habituales fuese la película más destacada dentro de la filmografía de Thomas Sigel, pero su culmen como director de fotografía llegará en Drive. La mística película de Nicolas Winding, alabada por unos y criticada por otros, nos ofrece atmósfera cargada luces y sombras que algunos cinéfilos llegaron a comparar con Taxi driver. Newton Thomas Sigel se encargó del, para mí, punto más fuerte de drive: el de la estética. 

Robert D. Yeoman 
“Grand hotel Budapest” | Wes Anderson 

El gran hotel Budapest era la película que junto a Birdman tenía grandes posibilidades de conseguir el Oscar a mejor fotografía. Finalmente, el premiado fue Lubezki, pero aquello no quita mérito al trabajo de Yeoman. 

Su otro trabajo más importante puede ser el de Moonrise Kingdom, también dirigida por Wes Anderson. Así, el director amante de las simetrías y la perfecta composición de los planos parece haber encontrado en Robert D. Yeoman la persona encargada de la fotografía en sus filmes. 

Wally Pfister 
“Batman Begins” | Christopher Nolan 

Del mismo modo que ocurre con Tarantino y Robert Richardson, Wally Pfister parecía estar unido a Christopher Nolan hasta la llegada de Interstellar. Es imposible hablar de la última trilogía de Batman sin mencionar a Pfister, ya que éste fue uno de los culpables de que volviésemos a amar las aventuras del hombre murciélago. 

Además, también debe ser reconocido por otros trabajos importantes de Nolan, tales como Memento o El prestigio, grandes obras que no habrían sido lo mismo sin la presencia de Wally Pfister. 

“Evolution” se presenta al mundo en RTVE – Radio3

El último videoclip producido por SMZ estudio se ha estrenado oficialmente hoy en la web de RTVE para deleite de los espectadores. El tema producido por Pablo Bolivar & Sensual Physics forma parte del disco Lecka, la última producción de los estudios Siete villas. Disfrutarlo en la web de Radio3 y muy pronto en SMZ estudio.

Captura de pantalla 2015-04-09 a las 12.00.54

Ver publicación: http://radio3.rtve.es/recomendaciones/2015/04/pablo-bolivar-sensual-physics-evolution.html

¿Cómo comienza una historia?

“I started a Joke” El tiempo y la distancia no pudIeron silenciar esta melodía.

Inmersos en el rodaje y producción de este documental sobre la música, la vida y las personas.

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